Artist: Frank Bowling

version française ici

‘Frank Bowling. Collage,’ the artist’s first solo exhibition in France, explores collage as a conceptual tool and technique for Bowling’s practice and thinking. The exhibition features works from the early 2000s up until the present day, where at the age of 91 Bowling still paints on a daily basis. The starting point for the show is reflected in four new large-scale paintings on display in the ground floor gallery, which are comprised of multiple canvas panels. These monumental works—including the 4.4 meter-tall ‘Skid’ (2023)—are a renewal of Bowling’s use of collaged canvas and marouflage, which has long formed an important part of his practice.

The exhibition is complemented by an academic program, the first of its kind for our Parisian gallery, driven by the shared passion for education and learning by Frank Bowling and Hauser & Wirth. This includes a Study Day on Monday 28 April 2025 at the gallery, as well as workshops for school pupils from wider Paris regions.

Bowling’s attraction to collage was partly influenced by Henri Matisse’s cut-outs, which he first encountered in the late 1950s and again at the 1992 MoMA retrospective in New York. For an article in the 1999 Winter issue of ‘Modern Painters,’ Bowling was asked to reflect on his career and select a work of art that most shaped or changed his own vision and chose ‘The Snail’ (1953) by Matisse. Paying homage to this work, Bowling has made several collaged pieces directly referencing the spiral pattern, including ‘Back to Snail’ (2000).

Bowling’s first conceptual engagement with collage can be found in his early work in the ‘60s. Stating his material ambitions he has said, ‘I wanted to marry up all these disparate bits like color, mannerism, where you paint, this fandango of all these styles and make up a sort of strong work that has aspects of painting and sculpture and architecture [...] they can hang together like something new.’

The works selected for this exhibition also evidence the development in Bowling’s incorporation of found objects. Since the 1980s, diverse materials have found their way into his paintings, from children’s toys to medical equipment. In ‘Skid,’ for example, there are pieces cut from a medical plastic bag, a protruding medical tube, loose canvas string and strips of canvas. These everyday objects provide the viewer with an entry point and most have some personal meaning to Bowling, acting as a form of autobiography. These items are embedded into the picture plane along with the translucent fluidity of acrylic gel and paint, breaking and erupting from the surface. ‘I’m moved to chuck in detritus, and watch it swim and settle,’ Bowling once said, ‘it makes me feel I can get to a whole vision of what I’ve passed through in life.’

Learning
The exhibition is complemented by a comprehensive learning program as part of Hauser & Wirth’s global Learning activties. The Study Day on Monday 28 April 2025 is co-convened by the academics Altair Brandon- Salmon and Ed Kettleborough and will be oriented around three themed roundtables responding to Bowling’s work: Paint and Process, Atlantic Artmaking and Bowling’s Modernism. Invited speakers include Ben Bowling, Leon Wainwright, Indie A. Choudhury, Ana Teles, Kate Keohane and Artie Foster, whilst participants are encouraged to contribute and speak openly in direct response to the paintings on show. This will be the first scholarly gathering on Frank Bowling since the artist’s Tate Britain retrospective in London in 2019, presenting an important opportunity to widen art historical perspectives on his practice.

With the goal of improving access to art, workshops for local school pupils will be hosted in the exhibition, encouraging engagement with and creative responses to Bowling’s work. Workshops will be led by Susi Sahmland, head of educational outreach for the Frank Bowling Studio, alongside the Hauser & Wirth Learning team.

About Frank Bowling
Sir Frank Bowling OBE RA has been hailed as one of the greatest living painters. Born in Guyana in 1934, Bowling arrived in London in 1953, graduating from the Royal College of Art with the silver medal for painting in 1962. By the early 1960s, he was recognized as an original force in London’s art scene with a style combining figurative, symbolic and abstract elements.

After moving to New York in 1966, Bowling’s commitment to modernism meant he was increasingly focused on material, process and color, so that by 1971 he had abandoned the use of figurative imagery. Bowling’s iconic ‘Map Paintings’ (1967-71), which include the stenciled landmasses of South America, Africa and Australia, embody his transition to pure abstraction. Bowling exhibited six large ‘Map Paintings’ in a solo show at the Whitney Museum of American Art in 1971. From 1973 to 1978, Bowling experimented with ideas of chance and ‘controlled accidents,’ pouring paint from a two-meter height to create his visually arresting ‘Poured Paintings.’

Bowling became a Royal Academician in 2005. He was awarded the OBE for Services to Art in 2008 and a knighthood in the Queen’s birthday honors in 2020. His work is represented in around 60 collections worldwide and has been exhibited in numerous group and solo exhibitions, including the 2017 – 2019 touring exhibition ‘Mappa Mundi,’ the hugely successful retrospective at Tate Britain in 2019 and the major exhibition ‘Frank Bowling: Americas,’ which toured from MFA Boston to SFMOMA in 2022 – 2023. In 2022, he was awarded the Wolfgang Hahn Prize which honors exceptional contemporary artists.

Today, Bowling’s mastery of the painted medium and explorations of light, color and geometry incorporate the use of ammonia and multilayered washes. His restless reinvention of the painted plane endures in his current bodies of work, which continue to break new ground through his use of thick impasto textures, acrylic gels, collage, stitched canvas and metallic and pearlescent pigments. Bowling works every day in his South London studio, forever driven by his fascination with exploring the vast and radiant possibilities of paint.

----

« Frank Bowling. Collage », la première exposition personnelle de l’artiste en France, s’intéresse à sa pratique du collage en tant qu’outil à la fois conceptuel et technique. Cette exposition rassemble des œuvres réalisées depuis le début des années 2000 jusqu’à aujourd’hui — de fait, à l’âge de 91 ans, Bowling continue de peindre quotidiennement. L’exposition s’articule autour de quatre nouvelles peintures monumentales, présentées dans la galerie du rez-de-chaussée. Ces œuvres de grand format, dont l’impressionnante « Skid » (2023) de 4,4 mètres de haut, composées de plusieurs panneaux, renouvellent son usage des toiles collées et du marouflage, des techniques qui occupent depuis longtemps une place importante dans son processus artistique. L’exposition sera accompagnée d’un programme éducatif, le premier du genre pour notre galerie parisienne. Porté par la passion commune de l’artiste et de Hauser & Wirth pour l’éducation et la pédagogie, ce programme propose une journée d’étude le lundi 28 avril 2025 dans les espaces de la galerie, ainsi que des ateliers dédiés aux élèves des écoles de la région parisienne.

L’attirance de Bowling pour le collage s’inspire en partie des découpages d’Henri Matisse, qu’il découvre pour la première fois à la fin des années 1950, puis à nouveau lors de la rétrospective organisée par le MoMA à New York en 1992. Dans un article paru dans le numéro d’hiver 1999 de « Modern Painters », Bowling est invité à réfléchir sur sa carrière et à sélectionner une œuvre ayant profondément nourri, voire transformé sa vision artistique. Il choisit « L’escargot » (1953) de Matisse, dont il rend hommage à travers plusieurs de ses collages qui font directement référence au motif en spirale, notamment « Back to Snail » (2000).

Les premières expériences conceptuelles de Bowling avec le collage se retrouvent dans ses créations dès les années 1960. En évoquant ses ambitions matérielles, il explique : « Je voulais marier tous ces éléments disparates – la couleur, le maniérisme, le lieu où l’on peint, ce fandango de styles – pour composer une œuvre puissante qui rassemble des aspects de la peinture, de la sculpture et de l’architecture [...] s’associant pour former quelque chose de nouveau ».

Les œuvres sélectionnées pour cette exposition témoignent également de l’évolution de l’intégration d’objets trouvés dans la pratique de Bowling. Depuis les années 1980, divers matériaux, tels que des jouets d’enfants ou du matériel médical, ont été incorporés dans ses peintures. Dans « Skid », par exemple, on distingue des fragments découpés dans un sac en plastique médical, un tube en relief, des ficelles et des bandes de toile détachées. Ces éléments, extraits d’un quotidien spécifique, offrent un premier point d’accès à l’œuvre, tout en portant une signification personnelle pour Bowling, dessinant ainsi une sorte de document autobiographique. Ces objets, intégrés directement à la surface plane de l’image avec la fluidité translucide du gel acrylique et de la peinture, rompent et jaillissent de la toile. « J’ai envie d’y jeter des détritus et de les regarder nager avant qu’ils ne se fixent », confie Bowling, « cela me donne l’impression d’avoir une vue d’ensemble sur ce que j’ai traversé dans ma vie ».

Programme éducatif
L’exposition sera accompagnée d’un programme éducatif, dans le cadre des activités d’éducation globales de Hauser & Wirth. Coorganisée par les universitaires Altair Brandon-Salmon et Ed Kettleborough, cette journée d’études s’articulera autour de trois tables rondes thématiques consacrées à plusieurs facettes de l’œuvre de Bowling : la peinture et le processus, un art transatlantique et le modernisme. Des spécialistes tels que Ben Bowling, Leon Wainwright, Indie A. Choudhury, Ana Teles, Kate Keohane et Artie Foster interviendront au cours de ces discussions tandis que le public sera encouragé lui aussi à s’exprimer librement en présence des peintures exposées.

Cet évènement est la première rencontre académique dédiée à Frank Bowling depuis sa rétrospective à la Tate Britain à Londres en 2019. Elle représente une opportunité précieuse d’enrichir les perspectives de l’histoire de l’art sur son travail.

Dans un souci d’accessibilité et de sensibilisation à l’art, des ateliers destinés aux élèves de cinquième et quatrième des écoles de la région seront organisés dans le cadre de l’exposition. Animés par Susi Sahmland, responsable des programmes éducatifs du Frank Bowling Studio, en collaboration avec l’équipe éducative de Hauser & Wirth, ces ateliers stimuleront la réflexion et l’expérimentation artistique en lien avec l’œuvre du peintre.

À propos de Frank Bowling
Sir Frank Bowling OBE RA est reconnu comme l’un des grands peintres contemporains. Né au Guyana en 1934, il arrive à Londres en 1953 et obtient la médaille d’argent en peinture au Royal College of Art en 1962. Dès le début des années 1960, Bowling se distingue sur la scène artistique londonienne, en développant un style singulier alliant figuration, symbolisme et abstraction.

Après s’être installé à New York en 1966, son adhésion au modernisme le conduit à se concentrer davantage sur le matériau, le processus et la couleur, si bien qu’en 1971, il abandonne le recours à l’imagerie figurative. Les emblématiques « Map Paintings » (1967-1971), qui présentent des étendues terrestres reconnaissables d’Amérique du Sud, d’Afrique et d’Australie peintes au pochoir, figurent sa transition vers l’abstraction pure. Il expose six de ses grandes « Map Paintings » dans le cadre d’une exposition personnelle au Whitney Museum of American Art en 1971. De 1973 à 1978, Bowling expérimente avec les notions de hasard et d’« accidents contrôlés » avec ses saisissantes « Poured Paintings », réalisées en déversant la peinture d’une hauteur de deux mètres.

Bowling devient membre de la Royal Academy en 2005, reçoit l’Ordre de l’Empire britannique pour sa contribution aux arts en 2008 et est nommé chevalier à l’occasion de l’anniversaire de la Reine en 2020. Ses œuvres figurent dans une soixantaine de collections à travers le monde et ont fait l’objet de nombreuses expositions collectives et individuelles, notamment l’exposition itinérante « Mappa Mundi » de 2017 à 2019, la très populaire rétrospective à la Tate Britain en 2019 et l’exposition magistrale « Frank Bowling: Americas », qui a voyagé du MFA Boston au SFMOMA entre 2022 et 2023. En 2022, il est lauréat du prix Wolfgang Hahn, qui récompense des artistes d’exception de la scène de l’art contemporain.

Aujourd’hui, la grande maîtrise de Bowling en matière de peinture et ses explorations de la lumière, de la couleur et de la géométrie intègrent l’utilisation innovante d’ammoniaque et de lavis multicouches. Son incessante réinvention de la surface peinte se poursuit dans ses œuvres récentes, expérimentant avec des empâtements texturés, des gels acryliques, des collages, des toiles cousues ainsi que des pigments métalliques et nacrés. Travaillant quotidiennement dans son atelier du sud de Londres, Bowling demeure inlassablement animé par sa fascination pour les possibilités infinies et radieuses offertes par la peinture.