Otis Jones

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Open: Tue-Sat 11am-7pm

44 rue Quincampoix, 75004, Paris, France
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Otis Jones

to Sat 18 Jun 2022
Artist: Otis Jones

44 rue Quincampoix, 75004 Otis Jones

Tue-Sat 11am-7pm

Semiose Otis Jones 1

Semiose Otis Jones 2

Semiose Otis Jones 3

Semiose Otis Jones 4

Semiose Otis Jones 5

Semiose Otis Jones 6

Semiose Otis Jones 7

The painter Otis Jones was born in Galveston, which was built on an island in the Gulf of Mexico, to the south of Houston in Texas. Jones currently lives and works in Dallas, far from New York and the bustling activity of its galleries. That said, Robert Rauschenberg was also born in Texas, in Fort Worth. Like the Californian artist Peter Saul who himself spent two decades in Austin, Jones lives a contented life as an interior emigrant that affords him unaffected inspiration, without compromise, in relative solitude. Like Saul, Jones is clear proof that the spirit of the place, that one might perceive as typical cowboy country, does not necessarily have anything to do with what inspires painters, with their penchant for introspection.

Certain biographical details shed some light on Otis Jones’ austere and singular painting. His adolescence was spent moving nomadically from place to place with his parents, until he settled on his grandfather’s farm in Missouri. His new guardian was a sign-painter, decorator and carpenter and it was on this farm that Jones became interested in creating things from salvaged materials, particularly plywood scraps and which included toys and utilitarian objects such as milking stools. This aspect underlines the link between the “handmade” nature of functional, rural artifacts and his paintings. Otis Jones studied art in Kansas before like Peter Saul, he began teaching in Austin. His years of study introduced him to the work of Richard Diebenkorn (a member of the Bay Area Movement, known for its boundaries, surfaces and edges), Leon Golub (of the Chicago School, with his brutal characters and colors ground directly into the canvas) and Franz Klein, whose paintings pushed him towards the radicalism of Abstract Expressionism. Before settling on his own forms, Jones recalled his grandfather, H.E. “Slim” Foster’s creations, which consisted of small painted owls, cut out of plywood- folk art pushed to the extremes of simplicity.

The Texan painter has combined all of this to his own advantage and pushed his compositions to their most ambiguous limits. As he states: “I’m interested in objects, patina, wear and age. Each piece takes on its own geology. I don’t hide anything. It’s a very real object.” His paintings are made of stacked plywood cut- outs, glued together. They look like pancake stacks or to push the baking metaphor even further, like primitive napoleon pastries, with a topping of glue spilling over the edges. His works are lenticular, round, ovoid and sometimes vaguely rectangular with rounded edges, laid out horizontally like wooden boards. Like Frank Stella’s Shaped Canvases, the paintings manifest both volume and a thickness of up to four inches, meaning that they stand out from the wall when hung in a gallery. The final layer of the stack / sandwich is the canvas, roughly cut out to the size of the stretcher and mechanically fixed using numerous staples that are left apparent, with no attempt to conceal them, in the same way as the screw heads embedded in certain other works. Glue, frayed plywood edges, staples and canvas, all contribute to the presence and integrity of the works. Layers of superposed paint and skim coats of primer are applied to the canvases, with a vocabulary of dots, lines and circles. The supposed crudeness of the acrylic colors, applied in superimposed coats, then thinned out and sanded away to reveal underlying layers, produces a very subtle effect that the economy of means does not always suggest at first sight. Jones plays with transparency and erasure with a deliberate clumsiness that has nothing to do with gesture and overt mark-making. The artist’s hand, both independent and intelligent, knows its room for maneuver. The surface work goes down to the weave of the canvas which is brought remarkably to life. Certain works bear witness to an authenticity of color that is far from monochrome in nature. The colors used are both varied and delicate such as the large dots painted in robin’s egg blue.

The titles of the works take us back to the rich yet modest essence of Jones’ painting: White Circle Black Circle on Rectangular Shapes (2022), Gray Wash with Ivory and Black Circle (2022)… Such precise and simple descriptions are a distillation of pure poetry. The poet Carlos Williams Carlos echoes this perfection in his haiku-like poem the Red Wheelbarrow (1923): “So much depends upon / A red wheel barrow / glazed with rain water / Beside the white chicken.” Suggestion and effectiveness rolled into one. Jones’ paintings are profound and meditative in nature, like the Tantric compositions of painters such as Acharya Vyakul, with whom he has sometimes been compared.

We can thus understand that his references are in no way restricted. Equating the painter with the art of his American predecessors is a mistake, for he has freed himself from their influence: The Abstract Expressionists and their epigones, Diebenkorn, Stella, Ellsworth Kelly, etc. He has distanced himself from current Formalism, from the monochrome, from Dripping, from Color-field Painting, from Pattern Art and even from Junk Art, which has so often been rehashed, without distinguishing the nuances in the work of all the artists who lay claim to it. What he has retained from his more famous contemporaries, is a sense of rigor, discipline and process. It is however worth underlining Otis Jones’ interest in the work of the highly original Ron Gorchov, with his oblong frames, effective colors and curved canvasses. Jones’ cultural awareness is panoramic but goes way beyond both material and intellectual appropriation.

Furthermore, Jones can be placed alongside figures from twentieth century French art, such as Pierre Soulages and Francis Picabia. The former never claimed to be an abstract artist, simply merging into the world of his own reality: his radicalism is non-figurative. He pierces the blackness of his forms to make light appear. His painting makes use of superimpositions, adding and removing pictorial material with tools he made with his own hands. The second of these artists, the meticulously original provocateur, Francis Picabia, re-emerged after the Second World War with a kind of abstract painting populated by large Points (dots). These works aroused indignation and even indifference. Only an old painter could produce such things… Picabia didn’t care about bygone movements or the principles of this or that school… Although his scattered Points appeared on surfaces worked in a single color and full of substance, in reality he was seeking out parody and playing practical jokes. Undoubtedly, grudgingly on his behalf, these final canvases gave power back to painting, returning its inherent lightness. Like with Otis Jones, Picabia’s Points attract the eye while tracing out invisible trajectories.

Otis Jones has followed a unique path, with his innovative values, never afraid to negotiate with impurities (the eroded surfaces of his colors), the common-place and the hand-crafted (his primitive carpentry). He remains a painter rather than a sculptor with the perceptive and conceptual mode of a shrinking space. Shapes without apparent finiteness follow one after the other. The random aspect, the impression of being unfinished given by the laminated plywood panels and the visual discomfort of the industrious superimposition of thin layers of color, lead to a kind of elemental cosmogony. Some might see it as the merging of time and space, a self-sufficient object, whose narrative is buried somewhere under the layers.

Benoît Decron

Benoît Decron is the Chief Heritage Curator and Director of the Soulages Museum in Rodez (FR).


Le peintre Otis Jones est né dans la ville de Galveston, construite sur une île du golfe du Mexique au sud de Houston, dans le Texas. Il vit et travaille à Dallas, loin de New York et de l’activité des galeries. Comme Peter Saul le Californien qui a fréquenté assez longuement Austin, Jones le Texan vit une vie heureuse d’émigré de l’intérieur qui lui procure une inspiration intacte, sans concession, dans une relative solitude. Comme Saul, Jones est la preuve flagrante que l’esprit du lieu, l’idée qu’on se fait d’un pays de cowboys, n’a rien à voir avec l’inspiration des peintres, avec leur penchant pour l’introspection.

Quelques éléments biographiques donnent un éclairage probant sur la peinture austère et singulière d’Otis Jones. Après une adolescence gyrovague avec ses parents dans beaucoup d’États de l’Union, il s’établit dans le Missouri, dans la ferme de son grand-père qui fut peintre, décorateur et charpentier. C’est là qu’il s’intéresse aux choses à fabriquer avec des matériaux de récupération, des chutes de contreplaqué notamment : des jouets, des objets utilitaires comme des tabourets ou selles de traite (milking stools). Ce détail souligne le lien qui existe entre le caractère « fait à la main » de l’artefact rural, fonctionnel, et ses peintures.

Otis Jones apprend l’art dans le Kansas avant d’enseigner ensuite à Austin, comme Saul. Ses années d’étude l’ont porté vers Richard Diebenkorn (le Bay Area Movement, déjà une histoire de limites, de plans et de bords), Leon Golub (l’école de Chicago, ses figures brutales et sa palette érodée) et Franz Kline dont les peintures le poussent vers la radicalité de l’expressionnisme abstrait et dont le modèle irrigue l’enseignement des écoles d’art américaines. Avant de trouver ses propres formes, Jones s’est souvenu des créations de son grand-père, H. E. «Slim» Foster, des petites chouettes peintes découpées dans du contreplaqué, du folk art poussé à une extrême simplification.

Le peintre texan fait son miel de tout cela et pousse l’expression dans ses retranchements les plus ambigus. Il affirme : « Je suis intéressé par les objets, la patine, l’usage et l’âge. Chaque pièce porte sa propre géologie. Je ne peux pas cacher quoi que ce soit. C’est un objet vraiment réel. » Ses peintures sont faites d’empilements, de découpes de contreplaqué, collées-serrées. On peut les nommer pancake stacks en filant la métaphore pâtissière, mais elles ressemblent à un mille-feuille primitif, un mélaminé peu raffiné : la colle comme un nappage déborde sur les bords. Les formes des œuvres sont lenticulaires, rondes, ovoïdes, voire vaguement rectangulaires avec des bords arrondis, allongées comme des planchettes de bois. L’œuvre prise dans une épaisseur, un volume, approche une dizaine de centimètres de chant, ce qui signifie que comme les Shaped Canvas de Frank Stella, un accrochage les voit saillir du mur de la galerie. La toile découpée grosso modo à la dimension du châssis final, le dernier de l’empilement/sandwich, est fixée mécaniquement par de nombreuses agrafes qui ne cachent rien de leur existence, comme du reste des têtes de vis enfoncées dans certaines œuvres. Colle, bordures effrangées des contreplaqués, agrafes, toile, tout participe à la présence et à l’intégrité de l’œuvre. Les couches de peinture superposées, de pauvres enduits, sont passées sur la toile : points, lignes, cercles. La supposée crudité des couleurs acryliques, superposées puis amincies, arasées pour en montrer les dessous, produit un effet très subtil que l’économie des moyens ne laisse pas supposer au premier regard. Jones joue de la transparence, de l’effacement, avec une maladresse délibérée qui n’a rien à voir avec la gestualité. La main de l’artiste, indépendante et intelligente, connaît ses marges. Le travail de surface descend jusqu’à la trame de la toile rendue étonnamment vivante. Quelques œuvres témoignent de cette sincérité des couleurs qui n’ont rien à voir avec le mode monochrome. Les couleurs sont variées et délicates : on reconnait de grosses pastilles peintes en bleu œuf-de-rouge-gorge, le Robin egg blue.

Les titres des œuvres ramènent à l’essence de cette peinture, riche et modeste à la fois : White Circle Black Circle on Rectangular Shapes (2022), Gray Wash with Ivory and Black Circle (2022), Red Circle with Two White and Two Black Circles (2022)… Une telle description précise et simple relève de la poésie pure. Ainsi le poète Carlos Williams Carlos pourrait-il faire écho avec cette merveille, presque un haïku. La Brouette Rouge (The Red Wheelbarrow, 1923) va ainsi : « So much depends upon / A red wheel barrow / glazed with rain water / Beside the white chicken ». Suggestion et efficacité. Les peintures de Jones sont des choses profondes et méditatives, comme les compositions des peintres tantriques tel Acharya Vyakul, avec lequel on l’a parfois comparé.

Nous comprenons donc que ses sources circulent en toute liberté. Ramener le peintre à l’art de ses aînés américains est une fausse route, car il s’en est affranchi : les expressionnistes abstraits et leurs épigones, Richard Diebenkorn, Frank Stella, Ellsworth Kelly, etc. Il s’éloigne du formalisme ambiant, du monochrome, du dripping, du colorfield, du pattern, voire du junk art qu’on ressert abondamment sans discerner les nuances chez tous les artistes qui s’en réclament… Au moins retient-il de ses contemporains les plus célèbres une sorte de rigueur, une règle et des procédures. On peut toutefois souligner l’intérêt d’Otis Jones pour les œuvres du très original Ron Gorchov, avec ses cadres oblongs, la couleur efficace et la dilatation. Jones a une culture panoramique qui dépasse la récupération, tant matérielle que mentale.

Par ailleurs, Jones peut accompagner des figures de notre vingtième siècle français au rang desquels nous trouvons Pierre Soulages et Francis Picabia. Le premier ne s’est jamais dit abstrait, pour se fondre dans le monde de sa propre réalité : sa radicalité est non figurative. Il a traversé le noir de ses formes, pour y faire apparaitre la lumière. Il a peint par superpositions, ajoutant et enlevant de la matière picturale avec des outils faits à sa main. Lui seul sait quand l’œuvre est achevée. Le second artiste, Francis Picabia, soigneusement original, provocateur, revient après-guerre (Paris 1949 et New York 1950) avec des sortes de peintures abstraites qui sont peuplées de gros Points. Ces œuvres suscitent alors l’indignation, voire l’indifférence. Seul un vieux peintre peut faire cela… Picabia n’a cure des mouvements révolus, des fondamentaux de telle ou telle école. Si ses Points diffus s’accumulent sur une surface travaillée avec une couleur, toute en matière, il cherche la parodie et le canular. À son corps défendant sans doute, ces ultimes toiles redonnent le pouvoir à la peinture, lui attribuent une légèreté immanente. Comme chez Otis Jones, les points de Picabia fixent le regard tout en traçant d’invisibles trajectoires.

Otis Jones trace une voie unique, avec des valeurs innovantes, ne craignant pas de négocier avec les impuretés (la surface érodée des couleurs), le vernaculaire ou l’artisanat (la menuiserie primitive). Il reste peintre et non sculpteur avec le mode perceptif et conceptuel d’un espace qui va se réduisant, se rapetissant comme un savon ou une île sous l’action de l’eau… Des formes sans apparente finitude s’enchaînent. L’aspect aléatoire, cette impression de non-fini des galettes de contreplaqué contrecollées, et l’inconfort visuel avec la superposition industrieuse des couleurs maigres, mènent à une sorte de cosmogonie élémentaire. D’aucuns y voient le temps et l’espaces confondus, un objet autosuffisant avec un récit enfoui sous des strates.

Benoît Decron

Benoît Decron est conservateur en chef du patrimoine et directeur du musée Soulages, Rodez (FR).

Photo A. Mole. Courtesy Semiose, Paris.


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