Moffat Takadiwa: The Bull

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Open: Tue-Sat 11am-7pm

44 rue Quincampoix, 75004, Paris, France
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Moffat Takadiwa: The Bull

to Sat 13 Aug 2022

Artist: Moffat Takadiwa

44 rue Quincampoix, 75004 Moffat Takadiwa: The Bull

Tue-Sat 11am-7pm

version française ici

Semiose presents two recent works by the artist Moffat Takadiwa in its Project Room.

Semiose Moffat Takadiwa 2022 1

Semiose Moffat Takadiwa 2022 2

Moffat Takadiwa’s works are created from waste collected from the garbage dumps of the Zimbabwean capital Harare that is then sorted, pierced and assembled into rich, layered hangings, which inevitably raise the burning issue of the exportation of Western refuse to the African continent. However, as the artist explains: “Of course the output of waste in the West and the neoliberal economic exploitation of the African continent are not small issues but they are many-faceted. The specific case of Zimbabwe is a little different, in that it is a landlocked country with no maritime borders, making it difficult to ship goods, raw materials and even garbage there. Unlike the countries that border the ocean and which receive shiploads of garbage, Zimbabwe tends to import a lot of second-hand goods from Western countries, particularly industrial products that can be reconditioned or repurposed.” [1] Thus the transformation process in Moffat Takadiwa’s oeuvre does not only raise geopolitical issues, but has many social, political and even spiritual implications. “As a matter of fact, I collect items at a kind of halfway point between their past and future uses. They were not shipped simply to be dumped and act as a catalyst for more complex processes and exchanges than simple waste. […] The dumping grounds have formed their own ecosystem, and despite the problems of toxicity, they can be places concerned with a redefinition of the value of things, their position in society and even the landscape itself.”

The Mbare neighborhood, where the artist sources his materials, is very important to his work “with its practice of informal crafts and the related trade, and where infrastructural elements and even the bags containing goods can take on their own lives.” However, Takadiwa also states that he is “perhaps more influenced by the social and psychological phenomena of added value and open-ended exchange than the place itself.” Recently, he has reoriented his inspiration towards Tengwe, where he’s actually from and where he spent his childhood. Many of his latest works are directly inspired by topographical views of Tengwe’s tobacco fields and the circular and rounded shapes invading his compositions are an evocation of those landscapes.

Moffat Takadiwa regularly returns to the idea that the materials he uses were originally everyday consumer commodities produced in the West, and that in this respect his oeuvre is shot through with the residues of post-colonial society. This is particularly evident in his use of computer keyboard keys with their English letters, which he weaves together to create new associations, deconstructing the authority of language and producing a kind of “Broken English” that reflects the conflicts and trauma of colonial domination. The Shona language spoken in Zimbabwe today has little in common with the original language. It is a combination of five or more different indigenous languages, a European construct resulting from the colonial strategy of division that took advantage of the amalgamation of various “tribes,” who would later come into conflict with each other.

The whole exercise of knotting and intertwining of the fishing line that runs through every element of the sculptures, at the micro-level of construction and consolidation, requires a very high level of physical and mental skill. “I can easily imagine myself and my different assistants as craftspeople.” Moffat Takadiwa concedes. In her essay concerning Takadiwa, Holly Jerger (exhibition curator at the Los Angeles Craft Contemporary) focuses on the question of craft and its origins. She reminds us that the discourse around crafts in the United States tends to revere the Arts and Crafts movement of the late 19th century and the post-war Studio Craft movement, using them as starting points for the development of contemporary craft. These Eurocentric discussions fail to recognize hundreds of years of craft production from outside of Europe, as well as the fact that most of the materials involved in the history of Western crafts, such as cotton and indigo, were only available because of Western colonialism and labor of slaves. In continually posing the question Which Craft? it is possible to dismantle the idea of craft as a Eurocentric monolith and to recognize the multiple traditions and histories that form what we recognise as craft. Moffat Takadiwa’s oeuvre justifiably allows such renewed discourse to flourish.

Concerning the idea of a community being formed around his studio, Takadiwa points out: “There is above all a sense of joy as to how the collective process brings us together, over and above the fact that the processes involve very different groups of people: those who join us simply for a question of income and those who are more involved artistically. In the end, they all contribute to the work on the same level and with the same commitment, whether in a more physical or mental way. They constitute an incredible workforce, adding great value to a basic product. It’s a question of collective empowerment and pervades every layer of my work. The multiple hands that contribute to the “weaving” of my works are symbols of this know-how and the related community at the core of my approach.”

No portrait of Moffat Takadiwa would be complete without mentioning his priceless and unselfish commitment to the wider community in Mbare through the Mbare Art Space, to which he actively contributes. It is a neighbourhood project dedicated to the arts as well as a creative social hub, “which has the intention of empowering the people with a cultural tool adapted to their needs and a really wide range of artistic practices and media including music, theatre, visual arts, graphic design, applied arts etc. Taking our history into account, its objective is to work towards the rehabilitation of local culture and at the same time help emerging talents. For me, that means working both as a kind of open-source museum as well as a creative platform.”

[1] All the quotes from Moffat Takadiwa are taken from a conversation with Morad Montazami, which was published alongside the essay by Holly Jerger, mentioned later in the text, in Pleased to Meet You: Moffat Takadiwa, Semiose Editions, January 2022.

Semiose est heureuse d’accueillir dans son project room deux œuvres récentes de l’artiste Moffat Takadiwa.

Réalisées à partir de rebuts issus des décharges d’Harare (capitale du Zimbabwe) avant d’être triés, percés et assemblés en des tentures riches et stratifiées, les œuvres de Moffat Takadiwa nous lancent invariablement sur la piste du sujet brûlant de l’importation de déchets occidentaux sur le continent africain. Cependant, l’artiste s’en explique : « Bien sûr, la production de déchets en Occident et l’exploitation économique néolibérale du continent africain ne sont pas des problèmes mineurs, mais ils présentent de nombreuses facettes. Le cas spécifique du Zimbabwe est un peu à part, car c’est un pays enclavé, sans frontières maritimes, il est par conséquent difficile d’y expédier des biens, des matériaux, ou même des déchets. Contrairement aux pays qui bordent l’océan et reçoivent des tonnes de rebuts, le Zimbabwe a tendance à acheter beaucoup de biens d’occasion en provenance des pays occidentaux, notamment des produits industriels dont l’usage ou la fonction peuvent être rénovés ou réaffectés[1]. » Le processus de transformation chez Moffat Takadiwa ne vise donc pas uniquement la démonstration géopolitique mais il n’en revêt pas moins de nombreuses implications sociales, politiques et même spirituelles. « En fait, je collecte des objets à mi-chemin entre leur utilisation passée et future. Ils n’ont pas été expédiés simplement pour être jetés comme de simples déchets, ils servent de catalyseur à des processus et des échanges plus complexes. […] Les décharges ont formé leur propre écosystème, et malgré les problèmes de toxicité, elles peuvent être des lieux concernés par la redéfinition – de la valeur des choses, de leur position dans la société, du paysage. »

Le quartier de Mbare où l’artiste s’approvisionne est important dans l’œuvre de l’artiste, « avec sa pratique de l’artisanat informel et le commerce qui y est lié, où les éléments d’infrastructure – jusqu’aux sacs contenant les marchandises – mènent leur propre vie. » Mais Moffat Takadiwa affirme également qu’il est « peut-être plus influencé par les manifestations sociales et psychologiques de la valeur ajoutée et de l’échange ouvert que par le lieu lui-même. » Depuis peu, il a réorienté son inspiration vers Tengwe, ville rurale dont il est originaire et où il a passé son enfance, et la plupart des œuvres récentes sont directement inspirées de vues topographiques des champs de tabac. Les formes circulaires et arrondies qui envahissent les compositions sont une évocation de ces paysages.

Moffat Takadiwa revient régulièrement sur l’idée que les matériaux qu’il emploie sont à l’origine des biens de consommation courante produits en Occident, et que sa pratique est à cet égard traversés par les résidus de la société post-coloniale. C’est particulièrement manifeste avec les touches de claviers d’ordinateur et leurs alphabets anglais : en les tissant ensemble, il imagine de nouveaux abécédaires, déconstruisant l’autorité du langage et aboutissant à une sorte de « Broken English » qui reflète les conflits et les traumatismes liés à la domination coloniale. La langue shona parlée aujourd’hui au Zimbabwe n’est pas la langue originale. C’est une combinaison de plus de cinq langues indigènes différentes, construction européenne née d’une stratégie coloniale de division qui a tiré profit de l’amalgame de diverses « tribus », qui par la suite se sont affrontées.

Tout l’exercice de nouage et d’entrelacement du fil de pêche qui traverse chaque élément des sculptures – au micro-niveau de la construction et de la consolidation – exige un très haut niveau d’habileté physique et mentale. « Je peux facilement me considérer, ainsi que mes différents assistants, comme un artisan. » concède Moffat Takadiwa. Dans l’essai qu’Holly Jerger (commissaire d’expositions au Craft Contemporary de Los Angeles) consacre à l’artiste, elle s’attarde sur la question de l’artisanat et de son origine. Elle rappelle que le discours sur l’artisanat aux États-Unis a tendance à vénérer le mouvement Arts & Crafts de la fin du XIXe siècle et le Studio Craft de l’après-guerre, les utilisant comme point de départ du développement de l’artisanat contemporain. Cependant, ces débats eurocentrés ne reconnaissent pas les siècles de production artisanale des populations extra-européennes, ni l’impact des pratiques artisanales mondiales sur les œuvres contemporaines, ni le fait que la plupart des matériaux essentiels à l’histoire de l’artisanat occidental, tels que le coton et l’indigo, ont été disponibles du fait du colonialisme et du travail des esclaves. En posant continuellement la question “quel artisanat ?” on peut déconstruire l’idée de l’artisanat vu comme un monolithe eurocentrique et reconnaître les multiples traditions et histoires qui forment ce que nous appelons artisanat. L’œuvre de Moffat Takadiwa permet très justement d’établir un tel discours rénové.

Sur la question d’une communauté constituée autour de l’atelier, l’artiste souligne : « Il y a avant tout un sentiment de joie quant à la façon dont le processus collectif nous rassemble. Il implique des groupes de personnes très différents : il y a ceux qui nous rejoignent simplement pour gagner leur vie, et ceux qui sont plus impliqués artistiquement. Mais en fin de compte, tous contribuent au travail au même niveau et avec le même engagement, que ce soit d’une manière physique ou plus mentale. Ils constituent une équipe incroyable, ajoutant une grande valeur à un produit de base. C’est une question d’émancipation collective qui imprègne chaque strate de mon travail. Les multiples mains qui contribuent au “tissage” de mes œuvres incarnent ce savoir-faire et la communauté qui y est liée, qui est au cœur de ma démarche. »

Enfin, un portrait de Moffat Takadiwa ne serait pas complet sans citer son engagement précieux et désintéressé auprès de la communauté plus large de Mbare, à travers le projet du Mbare Art Space auquel il contribue activement. Il s’agit d’un quartier dédié aux arts, sorte de centre social créatif, dont l’ambition, précise-t-il, est « de doter les habitants d’un outil culturel adapté à leurs besoins et d’un large éventail de pratiques artistiques et de médias, notamment la musique, le théâtre, les arts visuels, le design graphique, les arts appliqués, etc. L’objectif est de preandre en compte notre histoire, travailler à la réhabilitation de la culture locale et en même temps aider les talents émergents. Cela signifie travailler à la fois comme une sorte de musée en circuit ouvert et comme une plateforme créative. »

[1] Toutes les citations de Moffat Takadiwa sont extraites de la conversation avec Morad Montazami publiée, ainsi que l’essai de Holly Jerger mentionné plus loin, dans Pleased to meet you Moffat Takadiwa, Semiose éditions, janvier 2022.

Photos A. Mole. Courtesy Semiose, Paris.

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